La cena de los idiotas: Un delicioso TBT

 “Idiota”, según el DRAE en su segunda acepción lo define como “Engreído sin fundamento para ello”. Fernando Savater en su libro Ética para Amador lo define como “persona aislada, sin nada que ofrecer a los demás, obsesionada por las pequeñeces de su casa y manipulada a fin de cuentas por todos.” 

La más reciente producción del GA80 en el Trasnocho, “La cena de los idiotas”, nos remite a ese idiota que, aviso de spoiler, nos conseguimos desde la primera escena de la pieza. Un redomado idiota llamado Pedro (Héctor Manrique) que se reúne todos los miércoles con sus amigos, para burlarse de otros, que ellos consideran que sí lo son. 

Benito Pinto, (Basilio Álvarez), el supuesto idiota, viene a cambiarle la vida a Pedro. Pinto es un adulto con un niño interno muy grande, y tiene el hobby de hacer maquetas con palitos. En su opuesto Pedro es un tipo gris, que llena su vacío burlándose de los demás. La obra por antonomasia nos habla de la tolerancia, o la falta de ella cuando la imbecilidad nos nubla el entendimiento. ¿Qué sucede si la vida se nos voltea y necesitamos la ayuda de quién menos esperamos? Rehacer esta obra, comenta su director Manrique, fue idea de Basilio, que está de regreso al país. 

El resto de la obra es pura carpintería, comedia de enredos, personajes arquetipos, confusiones, y graciosos diálogos que tan bien saben concatenar los hijos de Molière. ¿Funciona el montaje? Por supuesto. Principalmente por la química que tienen en escena Basilio Álvarez y Héctor Manrique. Tan bien funciona que se ha agregado el jueves a la programación del Trasnocho.

Tiene además esta pieza un agregado cultural invaluable, y es que Pedro León Zapata en vida, pintó varios cuadros para esta pieza en particular. “Qué alegría tan grande ver mi obra pictórica engalanando, de alguna manera, esta cena de humoristas, digo, de idiotas. Mi presencia en esta fiesta no tiene ningún mérito y tal vez, a los espectadores les agregue muy poco atractivo. Sin embargo para mí, este es uno de los momentos más importantes de mi actividad como artista plástico;” comentó Zapata en su tiempo. 

El público venezolano que busca evadirse encuentra un bálsamo, en esta pieza que logra destornillar de la risa a la audiencia y por un par de horas logrará que se olviden de la realidad del país. Y para los que tienen varios años viendo teatro, como mi persona, un #TBT para recordar mejores tiempos. Aquellas comedias de esa época que trajeron tanto público al teatro como Taxi, Art, Toc-toc, El favorito de Dios, y otras tantas piezas maestras de la evasión. 

La lección de Flauta

La lección de flauta es, sin temor a equivocarme, el montaje más flojo de Luigi Sciamanna, junto con 400 sacos de arena . La pieza comienza con el tutor del Príncipe Friederich, interpretado por Antonio Cuevas, que cada tanto irá interrumpiendo la acción dramática con molestas y latosas lecciones históricas, ofreciendo al espectador un innecesario didactismo cargado de petulancia, que van haciendo del primer acto innecesariamente largo. Ya sabemos cómo de largo le gusta de escribir al autor.

Comienza la historia presentando a los personajes principales, Friederich y Johannes Von Katte. Actuaciones correctas. Guido Villamizar y Carlos Manuel González son actores que no aportan más de lo que el director les exige, y puesto que el peso dramático recae sobre ellos en todo el primer acto, se hace aburrida la historia de amor que el dramaturgo va desarrollando. Además de las obvias referencias sexuales con la flauta que torpemente concatena con la atracción sexual de los protagonistas. 

Después de la fuga, entra a escena un nuevo personaje interpretado por Luis Sarmiento. Una suerte de Falstaff, ese personaje de Shakespeare de Enrique IV y V pero sin demasiada gracia, donde la acción dramática pierde norte. Todo va siendo excusa para que los personajes principales se encuentren solos, y consuman su amor carnal. Creo personalmente que no era necesario llegar a ser tan (porno) gráficos.

El segundo acto, lo más flojo de la obra, también lo que más sobra, es una alucinación onírica y surrealista. La escena se llena de oscuridad. Se ennegrece a tal punto que se vuelve caótica sin ninguna justificación. Sciamanna aparece en escena sin ningún propósito. Rafael Monsalve, Sara Valero Zelwer y Margarita Morales cargan la pieza de sombras y tinieblas, pero no tienen propósito dramático. Wilfredo Cisneros la llena de luz, afortunadamente. Este acto es confuso y caótico. Nada tiene sentido desde el punto de vista dramatúrgico. Casi me duermo. 

El tercer acto es el más interesante, comienza con un acalorado debate entre el Rey (Monsalve) y un ciudadano extranjero (Cisneros), y paralelamente entre Johannes Von Katte y un esbirro, interpretado por Sciamanna. El poder y la razón, se enfrentan tras el juicio por sodomía del príncipe. La escena, además de tener un dinamismo excepcional, brilla más con las actuaciones de Rafael Monsalve y Wilfredo Cisneros. Un punto aparte que me hizo ruido es el anacronismo “homosexual”, palabra inexistente hasta la segunda mitad del siglo XIX. La palabra indicada hasta entonces era “sodomita”, en referencia a la ciudad bíblica. La escena de la tortura con el esbirro comienza bien, aunque termina por aburrir, por lo larga. 

Finalmente, el rey dictamina con su autoritario dedo los destinos de ambos. El príncipe llora la muerte de Von Katte, con una imagen despiadada y cruel, puesto que lo hace frente al cadáver de su amado descabezado. La pieza finaliza en alta cursilería con los poemas del príncipe recitados en off, otra escena innecesaria, por demás.

A grosso modo no la recomiendo, entre intermedio e intermedio está cercana a las cuatro horas de pieza, y no a todo el mundo le va bien sentarse tanto tiempo. En el petulante ejercicio del dramaturgo por escribir prolíficamente una historia, que podría bien contarse en mucho menos, Sciamanna se empeña testarudamente, en escribir sus obras más y más largas cada vez. Salí del teatro con gran sofoco.

Cinco clásicos del teatro español

El teatro es una de las mejores maneras de comprender a un país, su cultura e idioma. Leer teatro es leer a los clásicos de la literatura española.

Antes de Romeo y Julieta, Fernando de Rojas escribe La Celestina,donde la idea de dos amantes de distintas clases sociales, sumado al desenfreno y el apetito sexual, presentaban temas revolucionarios.

Lope de Vega con su inmortal Fuenteovejuna, hace crítica al brutal y barbárico derecho de pernada, y solidaridad de un pueblo que, ante el ejercicio abusivo del poder, inmortaliza la frase “Fuenteovejuna, todos a una”.

Miguel de Unamuno parece profetizar la guerra civil española con su obra El Otro. Recogiendo el mito bíblico de Caín y Abel, mimetiza la idea de las dos españas enfrentadas en lucha fraticida.

Federico García Lorca alcanza el cenit de su maestría literaria con La Casa de Bernarda Alba quien tiraniza a sus hijas imponiendoles un riguroso luto. La obra llena de metáforas, contrastes y simbolismos, busca el símil de la represión sexual con la política y la injusticia de clases con la relación de poder entre Bernarda, sus hijas y las criadas de la casa.

Fernando Arrabal lleva a España el teatro del absurdo en el '53 con El triciclo, un comentario sobre la miseria y la brutalidad de la bota militar. Una obra muy relevante en pleno franquismo.

Leer teatro es ver la historia de un país que se transparenta, con las ideas de su tiempo. Las buenas críticas iluminan el camino a seguir, a la hora de comprar libros.

La íntima del presidente

Hay un aspecto de la crítica teatral del cual me cuido y es resaltar como aspecto deficiente lo que uno como crítico desearía que estuviera en la obra o cómo uno lo haría diferente. La crítica debe partir de la obra y sustentarse en lo que ella ha puesto en escena. “La íntima del presidente” es una obra dramática o melodramática (como el mismo autor la califica) que tiene un alto porcentaje de sucesos y personajes históricos que procuran darle un marco referencial al drama de una mujer y sus anhelos. El dramaturgo (Javier Vidal) se esmera en narrar referencialmente hechos históricos nacionales e internacionales para darle así más importancia a ellos que al drama de Estrella, quien es el personaje al cual se refiere el título.

Dos narraciones paralelas describen la estructura de la obra, la vida política del presidente Medina y el drama humano de su amante Estrella. No tanto por el título, como por el planteamiento de la obra, el espectador cae en la trampa de pensar que la obra trata sobre el drama humano de Estrella y no de los accidentes de un presidente frustrado por las decisiones que tomó en su periodo presidencial. Son muy pocas las referencias al drama interno del presidente, solo una, su frustración por no llenar sus propias expectativas. Sin embargo, mucho mejor construido está el personaje de Estrella porque parte de un drama interno para exteriorizarlo en sus deseos y dificultades para ser la primera dama de la república. El personaje del presidente lleva el rol principal, dejando de lado a quien prometía ser la protagonista de la historia, no solo por su atractivo, sino porque así lo hizo ver el dramaturgo al inicio de la obra. El personaje de Uslar, es una pared de rebote para que el presidente pudiera exteriorizar las dificultades de su gestión. En sí, carece de drama, que no sea por una frase que refleja su parecer sobre el exilio. Lo que no se puede negar, es la docta investigación que sirvió de base para el drama histórico, aunque la misma hiciera que el argumento quedara en un ámbito localista. Faltó lo que Shakespeare hizo en sus dramas históricos, nunca perder la humanidad de los personajes.

A nivel de actuación, destaca primeramente el trabajo de Jan Vidal Restifo que, a partir de la imitación extraordinaria de la voz de la persona referida, alcanzó una expresión corporal acorde con el personaje interpretado. Gonzalo Velutini, siempre ilustrado en los menesteres del comportamiento distinguido, hace un presidente templado, del que podría decirse que cohíbe la manifestación de sus emociones debido al rol que interpreta. Alguno que otro grito lo sacan de su obstinado rol de líder y justamente pasa cuando pierde el control con “La íntima”, que es la piedrita en el zapato que lo perturba, porque ni sus hijos provocan emociones en él. Confieso mi ignorancia respecto a la personalidad de Medina Angarita, pero confiando en la investigación del dramaturgo, Velutini alcanza los niveles de exigencia del personaje. Y he dejado de último a Julie Restifo, como se deja de último a la actriz más importante a la hora de recibir los aplausos, porque sencillamente sobre sus hombros llevó el personaje más encantador y consistente de la obra. Ella interpretó un personaje complejo que se debatía entre los principios de una mujer burguesa y el desaforado deseo de ser primera dama. Va desde la súplica hasta la venganza y eso lo siente el espectador, no solo porque lo dicen los diálogos, sino que lo expresa la actriz con su talento y buen decir de cada frase. La magia del teatro, una vez más, le concede la gracia de verse perfecta para el personaje porque lo hace humano y verosímil.

Evidentemente hay otros aspectos que conforman un espectáculo como este, pero destaco lo que se tiene que destacar. Disfruto del talento expuesto sobre las tablas y refiero con seriedad la invitación a ver la obra.

Martin Hahn

Julio 2018

Historical approach on Javier Vidal's theater

“We need a type of theater which not only releases the feelings, insights and impulses possible within the particular historical field of human relations in which the action takes place, but employs and encourages those thoughts and feelings which help transform the field itself”

Bertolt Brecht 

Contrary on what you may think, epic theater (also called dialectic theater) is far away from the classic greek tragedies or the Homer’s myth. This type of theater is referred to the one Bertolt Brecht created on the XX century. A play that pretends to talk about the past (a historical event), but the audience will relate with the present. He is also the creator of the distant effect, where a character stop the action of the play deliberately to create a moment of reflexion, occasionally serving as first person narrator. Some other Brecht’s method are juxtaposition scenes, where two or more actions happens simultaneously on different places or times, and a circle narrative where the action starts and finishes on the same spot. There is no discussion that Javier Vidal’s dramaturgy has a complete saga of epic theater, from Diógenes y las camisas voladoras (2011) to his recently new play, La íntima del presidente (2018) 

Diogenes is a barely known character on venezuela's history. He was going to become the president of Venezuela, unfortunately his mental illness kept him from it. He was the civilist who would change the tradition of military ruling Venezuela. A brilliant man who was able to make a pact with the all living forces in Venezuela for the final transition to democracy. Between scene and scene both his secretary Hugo Orozco and his political adviser Ramón J. Velásquez enounce the scene through Brecht’s distant effect technique. At the end, the audience will feel there is a better country that may be constructed.

Los Compadres (2013) is about Cipriano Castro and Juan Vicente Gómez. The vice-president Gómez wants to betray president Castro, and the best opportunity present itself when Castro in 1908 has to go to Germany due to his illness. Gómez will rule the country until his death in 1936. Even though the author is referring to historical events, the audience will make some connection with the present, either by the sickness of the president, or the succession of the vice-president. The audience, then, will have the feeling that history repeats itself in a loop. 

   La Catira del General starts with Cela, a spanish writer, presenting itself and narrating the action. Cela has come to Venezuela to write a novel (La Catira) in order to make propagandistic piece for Pérez Jimenez administration. He is an artist that has compromised his art for some money. Same happens with Vallenilla Lanz, his minister of justice, an intellectual supporting a dictatorship who compromise his intelligence. Another important character in this play is Paco, who represents all the european migration from those days, specially the spanish one. At the end the author adds a new scene post-climax, where Pérez Jimenez rejects to do a clean election process, and his minister consciousness refuses to participate in such scam abandoning his position as a minister and changing his mind from a politically correct man to a correct political, adding a new theme to the play “fraudulent elections”. Again, the feeling that history repeats in a loop will be present on the audience.

His most recent play is “La íntima del presidente”. This play is about religious and political tolerance. Medina Angarita, future president of Venezuela, is a conservative catholic, who is in love with a jewish woman Estrella Serfati. Despite he is a Hitler supporter at the beginning, his love for Estrella will put a first step on him for tolerance. Furthermore, Uslar Pietri’s liberal point of view will make him abandon completely his fascist ideas, for a more democratic one. In his administration he legalizes communist party and A.D. (social-democrat), and prepares the terrain for universal vote, including women and illiterates. Unfortunately the democratic transition he was preparing will be interrupt by a coup d’Etat. At the end Medina thinks “I will have to conclude that in this country, a few cultural and professional differences arise such ambitions that threaten the very basis of the armed forces and the country." The author speak up his mind through Medina’s words to create a reflexive climax. 

Plato said that art copies nature. On the same track of ideas, Shakespeare saw it as a mirror in which human being sees reflected. Brecht on the other hand, used to think is a hammer that shapes society. Either way, it is a tool Javier Vidal uses with a purpose to entertain, to think, to leave a mark on our society. If I had to enclose Javier Vidal’s thesis throughout his plays in one sentence it would be “I want a more civilized society.” Or marking his words “My plays are for civilizing the country against the barbaric govern that pretends to rule us from Miraflores”. 
 

Thanos a cold calculus

Strange as it may seem, the new Avengers movie is about a complex topic.  A cruel Titan named Thanos, wants to rule the world with an iron fist. His ideology is nihilism. If he kills half of the Universe, the small resources existing in his world will be enough to end poverty and misery, and all the ills in the universe will cease. How may he achieve such a great power? Stealing the six infinity stones, that controls time, space, mind, soul, power and reality. It is, of course, up to the Avengers to stop him. 

It is a calculus based on William F. Lloyd’s theory Tragedy of the commons. All the same, human nature is not able to think consciously, because is individualist and selfish, therefore someone has to oblige them by force. Basically, Thanos wants to fix overpopulation, pollution, non-renewable energy, carbon emissions problems. A chance to have a morning after for the generations to come, to grow in a healthy world, where the finite resources are no longer a problem. A society with a few differences on equality scales. A better distribution in the Universe. This is why at the end of the movie, Thanos just sits to see the sunrise: A new dawn has arrived!

Even so, this brings others problems, such as the loss of liberty, the main reason why the Avengers are fighting him. If Thanos wants to control the Universe, he will have no opposition to fight against him, so he will do whatever he feels right, in other words the Universe will become a totalitarian nightmare. “Totalitarianism is a political concept where the state recognizes no limits to its authority and strives to regulate every aspect of public and private life wherever feasible”. The scene where he has to sacrifice his daughter Gamora, his most beloved being, in order to achieve the soul stone is very significant. It is the best metaphor of what happens in a totalitarian state, that is willing to sacrifice its own children if  necessary. 


Most of the totalitarian dictatorships propaganda centers on having a more equal society, for a new morning in a better world, but, what is the actual cost? Thanos at the end of the movie says that a lot has been lost, even for him. He moans the loss of his daughter, but he has no regrets on what has happened. This was his plan. He is convinced of his ideas: killing half population will make the Universe stronger and healthier. 

Convinced of this was Stalin, Hitler and others dictators of such nature. Sad to say this is not an issue of the past. Dictators of this nature keep appearing, specially in Africa and Middle East. Should we see ourselves, and it is clear here also. The Cuban and Venezuelan dictatorships are clearly the Thanos. Is Cuba going to sacrifice Venezuela in order to save itself, just as Thanos did with Gamora? Where are the Avengers in this story? The United States?, ONU?, European Community? O.A.S? Are they tied up as the Avengers in the movie? To be continued...

From celluloid to digital

"The beauty of the invention resides in the novelty and ingenuity of the apparatus. When these apparatuses are made available to the public, everybody will be able to photograph those who are dear to them, (...) then, death will no longer be absolute"

Louise Lumiere

 Talking about a movie camera is talking about the history of narrative film as well. The evolution of film history is attached to the technology human mind is able to produce. From Lumiére's cinematographer to digital cameras, the way film makers conceive a movie and the demands of the audience has changed a lot. Not only is it a matter of generations, but it is how technology has changed our way of thinking. What we may really be sure about something though: since its invention, human mind has turned visual.

The Lumiere brothers were the pioneers of the film industry. For the construction of their cinematographer, they used the principles of old children's toys, such as the Thaumatrope, the Phenakistocope, the Zoetrope, and the magic lantern. The cinematograph's first experiment was to record a train arraving to the station. For Lumiere brothers, it was just a scientific experiment, but what they did not realize is that they put the first step into the film industry.

Georges Méliès bought the cinematographer (from The Lumiéres) and did some significant innovations like the fade-in, the fade out, and the stop motion photography. He was an illusionist, so he liked to play a lot with special effects. His most famous movie is A trip to the moon (1902), inspired by Jules Verne's novel From the Earth to the moon. The film follows a group of astronomers who travel to the moon in a cannon-propelled capsule, explore the Moon's surface, escape from an underground group of lunar inhabitants, and return to Earth with a captive lunar inhabitant.

After the invention of the cinema itself, the most important event in film history was the introduction of sound. Thomas Edison was the first to synchronize sound and image at the same time. Using the principles of two of his greatest inventions, the Cinephonograph and the Kinetophone, he created the Kinetograph achieving a step forward in the film industry. Adapting to new conditions was not easy. Not only because most actors did not speak English, but because the industry was changing so fast. Charlie Chaplin, for example, was able to adapt easily to these changes. One of his most famous pictures is "The great dictator", a parody of Hitler and the Nazi regime, combining his silent movie style in a sound movie. At the end, the silent tramp speaks up in a memorable speech in which he warns us about the dangers of human progress at the cost of its own extinction.

Color was the next obvious step. The Cinemascope cameras had lenses that aloud full color movies. Toll of the sea was the first movie shot in technicolor's two-strip, two color subtractive process, but the one that knocked it out of the park was the film Gone with the wind. This was the first movie that won the Oscar (1939) for the newly created category of Color Cinematography. In 1940, Walt Disney flew higher with Fantasia, using three color Technicolor, and multiple audio channels using a stereophonic sound.

A lot has changed since "The arrival of the train". Cinema has turned digital! Not only is 3D now a common thing, but the HD and 4K cameras are essential for movie making. Personally I think cinema today is so obsessed concentrating on technology that some pictures do not have a good directing or script. Special effects today distracted us so much, we forget we are watching a bad movie.    

Drama genres

"Let the tragic and comic be mixed (…) will make one part serious, 

another ridiculous, for this variety is very delightful. 

Nature gives us a good example for she attains beauty 

through such variety”

Lope de Vega

Talking about the definition of drama is not an easy task. Have you ever seen Game of Thrones and thought “this is such a great drama!”? Or a Martin Hahn’s soap opera and have exclaimed “Hahn’s dramas are so original!” Talking about Star Wars and saying “I love the drama involved”. The real question here “Is drama a specific kind of genre?”, the short answer is no. Drama comes from latin Dramae, which means action, and it is the foundation of theater plays and movies. Action is what makes the plot move. This means that drama may be in any type of genre that may go from tragedy to science fiction.

           

Tragedy was the first drama genre written in the history of western society. Tragedy according to Aristotle is “imitation of a high and perfect action, of a certain extension, with a language diversely decorated in each part, by means of action and not of narration, which leads, through compassion and fear, to the purification of these passions". Tragedy happens on the soaring of the royal families and takes place in a palace. The protagonist is usually a king (sometimes a fallen god like Prometheus) with a terrible fate. The prophecy says that Oedipus, king of Thebes, will kill his father and sleep with his mother. His parents, trying to escape the prophecy, give him away when he is just a baby, but the gods will always find the hero and fulfill his destiny, no matter what it is done to avoid it.

Comedy according to Aristotle is the “imitation of the most vulgar and defective people, in their ugliness and laughable form of being. What is laughable and does not cause pain nor is fatal is human error and clumsiness. Aristophanes was the most important comedian from Ancient Greece. He was born after the Athenian golden age, so his comedies are critical of the decadent democracy. His plays are full of puns, earthy jokes and slapstick comedy. He also likes to poke fun at the Greek tragedies, especially the ones from Euripides. In the clouds, Aristophanes uses the technic reductio ab ridiculum (appeal to ridicule) by misrepresenting Socrates’ ideas and exaggerating them to mock him.

           

The Roman Empire comedians copied the Greek comedies, improving them, however, by removing chorus and adding musical accompaniment as a simultaneous supplement to the plays’ dialogue. The action of all scenes typically take place on the streets outside the dwelling of the main characters, and plot complications are often a result of eavesdropping by a minor character. The renassaince did not escape from Rome’s influence. Plautus’s comedy The pot of gold (Aulularia) serves of reference for Moliére’s farce The Miser (L’Avare) and Shakespeare’s comedy Merchant of Venice. In these plays, greedy men oblige their children to live within their means even though they are wealthy men.

           

One of the genres that cinema has given to dramaturgy is science fiction. Star Wars has been one of the greatest franchise in the history of Hollywood. George Lucas creates a whole new universe in space, taking elements from epic drama, melodrama, and tragedy. Luke Skywalker makes “the journey of the hero”, something that has been told in literature since Homer’s Odyssey. From farmer to hero, Skywalker has to go through many trials to become the chosen one who saves the galaxy. His fate is to fight and defeat his father Lord Vader, commander in chief of the clone army and prime minister of the evil empire. Even though Luke tries to escape his destiny by convincing his father to turn to the light side instead of killing him, tragic heroes cannot escape fate. 

           

As you may see, all stories have already been told since the Greeks, and what is the secret of writers? The answer to this question is how. The “what” never changes. There is some discussion on how many types of stories exist. Some theorists say six, some say nine, and some others thirty-six, but the possibility of how to write the same story in different ways is endless. You think Shakespeare was very original writing Romeo and Juliet? Before him Fernando de Rojas, a medieval Spanish dramatist, wrote “The tragicomedy of Callixtus and Melibea”, and before him in the Roman Empire, Ovid wrote “Pyramus and Thisbe”.  The genres have evolved a lot and that is why it is so difficult to define what is drama and what is not, it is almost an impossible job.   

Polvo.

 La Caja de Fósforos ha comenzado el año con la obra del italiano Saverio La Ruina “Polvo”, una intensa obra sobre la violencia doméstica, protagonizada por Elvis Chaveinte y Rossana Hernández.

La obra bellamente dirigida por Diana Volpe, tiene un ritmo enérgico y electrizante en la cual una tóxica relación va escalando en una violencia que va desde el plano psicológico hasta el físico. La dirección de arte es de tipo realista y al mismo tiempo no deja de ser minimalista.

La obra usa el recurso de la danza contemporánea para enfatizar las acciones dramáticas entre escena y escena. La música original de Juan Pablo García te produce un escalofrío constante que te transporta a los sentimientos más oscuros de los personajes.

Cabe destacar que el dramaturgo es un excelente dialoguista y no hay palabra en el drama que no esté en su justo puesto. Quizás por el hecho de que la pareja lo sea también en la vida real que la química entre ambos sea potente y lo más importante verosímil. 

Micro-teatro 12 Edición

El Titanic se hunde y los violinistas insisten en seguir tocando; esa es la metáfora del país que nos ha tocado vivir a los artistas venezolanos. El Urban Cuplé ha cerrado sus puertas como teatro y se ha dedicado al micro-teatro exclusivamente. El comentario más escuchado “los espacios se reducen”. Y efectivamente cada vez es más difícil conseguir sala, montar una producción, mantener las entradas a un costo accesible y conseguir una entrada masiva del público, y sin embargo seguimos empeñados en continuar tocando.

El teatro breve no es una invención de estos nuevos tiempos; desde mucho antes que a Miguel de Cervantes se le ocurriera escribir sus entremeses, ya existían pequeñas obras que se intercalaban entre actos de las tragedias griegas, entre pantomimas y sátiras. Lo que sí es invención de nuestra contemporaneidad es el empaque en que se presentan; el estilo de varias obras que simultáneamente se presentan por 15 minutos entre una cantidad repetida de funciones por noche.

El Urban Cuplé ya lleva su primera semana de temporada de 30 obras que presentan. En esta semana he visto ya 12. De las que he visto hasta ahora, la que para mí se lleva el primer lugar es Open Mind. Sospecho que la obra se inspira en el video aquel del trio sexual que se filtró por internet. Pero la obra va más allá de eso, en un juego de manipulación mediática hay una reflexión sobre nuestra sociedad y nuestra relación con los medios de comunicación. Las actuaciones de los jóvenes actores Kenia Carpio y Theylor Plaza son excelentes, de igual manera la dirección muy rajatabliana y la dirección de arte muy acorde a la pieza representada.

01 la Comedia Musical, es mi segunda recomendación; un divertimento para todos los amantes de los musicales de Broadway. Una historia sencilla, divertida, y con mucha música. Bien coreografiada, bien cantada y con una producción de altura.

Métete, comedia de situaciones. Dos actores, Dairo Piñeres y Mario Sudano, encarnan arquetipos de personajes que entran y salen en el metro de Caracas. Sorprendente la rapidez de ambos para cambiarse y en 15 minutos hacer por lo menos 6 personajes cada uno. Una obra que me ha sacado 15 minutos de grandes carcajadas.

Pran, pran, pran, es un musical dentro de un penal venezolano. Esta obra tiene una composición musical original que te pone los pelos de punta y un ensamble vocal destacado, y especialmente Gonzalo Guerrero es quien se lleva mis mayores aplausos, en voz e interpretación.

Cocinando con Dorangel, parodia de los programas de cocina con el caníbal de San Cristobal. El texto no es gran cosa, pero la emulación de Armando Álvarez vale la pena.

Bipolar, una obra bastante peculiar sobre un paciente bipolar en un sanatorio con alucinaciones y problemas de identidad sexual. La energía de Juan Carlos Gardie abruma, lo mejor de la obra.

Muertos de amor, José Luis Useche regresa al bate una vez más. Una pareja que después de muerta siguen juntos en un tormentoso matrimonio. Los diálogos son ágiles e inteligentes, la producción tiene un sentido de espectacularidad muy bien pensada, entre los vestuarios, la escenografía, las luces y el maquillaje y la dirección es precisa y concisa. 

Star Wars: La Nueva Generación.

SPOILER WARNING: EL PRÓXIMO ARTÍCULO LLEVA SPOILERS; SI NO HAS VISTO LAS PELÍCULA Y TIENES INTENCIONES DE VERLAS, TE RECOMIENDO NO LEER ESTE ARTÍCULO.

El episodio VIII y 9na entrega de la Guerra de las Galaxias, El último Jedi, me dejó con un sabor agridulce en la boca. No es la mejor película de Star Wars pero tampoco la peor. En comparación con la última de J.J Abrahms que le precedió es mucho mejor. Se puede notar que el director y guionista han cambiado, Rian Johnson ha dejado su huella en la película. “Bellamente hecha” según George Lucas.

Originalmente, cuando fue concebida, ya se tenía pensado un arco argumental de 9 episodios y se decidió comenzar con el IV. A la llegada del episodio VI, es decir la tercera película filmada, George Lucas decide cerrar la trilogía matando así a Darth Vader y Darth Sidious (A.K.A: el emperador), y restaurando así la paz en la Galaxia.

Ya acá tenemos el primer problema de estas nuevas películas; para seguir el arco argumental necesariamente necesitamos nuevos villanos Kylo Ren, (hijo de Han Solo con Leia), y el más forzado de todos Snoke, vil copia del anterior emperador.

La séptima película presenta un sinsentido; si la república democrática volvió a la Galaxia, ¿De donde salen estos fanáticos de la primera orden, y cómo es que tienen un presupuesto para hacer una tercera estrella de la muerte? ¿Qué hace la, anterior princesa, ahora generala Leia en una rebelión cuando se supone que no hay nada a lo qué rebelarse? Y si Luke Skywalker es un Jedi, como queda claro en el episodio VI, ¿Por qué no sintió cuando sus seres queridos estaban en peligro? Al final The Force Awakens terminó siendo un copy/paste de A New Hope.

En la VIII se corrige el problema político de forma que la primera orden regresa al poder y los héroes a la rebelión, pero como película vuelve a presentar problemas argumentales. En principio es demasiado larga para lo que tiene que contar, esto se debe a que quisieron hacer un sub-plot con Finn para buscarle pareja, Rose, y sus “aventuras espaciales” lo que hacen es rellenar innecesariamente la trama.

Tampoco es verosímil que el conflicto de la alianza sea falta de gasolina, (ni que fuese Venezuela) y que el “nuevo imperio” sea tan incompetente como para planificar un ataque. No hay buenas razones para que eso sea un buen conflicto.

Con respecto a la relación entre Luke y Rey, me parece que es lo mejor que tiene la película. Creo que Mark Hamill descata en esta película a nivel actoral. Creo que a Hamill deberían, por lo menos, nominarlo a mejor actor en esta película. A mí personalmente me hubiese gustado ver más de este dúo. La aparición de Yoda, aunque breve, me pareció significativa y demostrando una vez más que aún desde el más allá, sigue siendo el Jedi más sabio de todos.

Personalmente pienso que Rian Johnson ha logrado con Luke Skywalker lo que Christopher Nolan no logró con Batman en su tercera película. El tercer acto del héroe. Esa especie de ermitaño, depresivo y desilusionado del mundo que ya está muy mayor para su trabajo de Jedi, hasta que ve en una nueva generación una esperanza de que alguien pueda continuar su legado, recuperando así las ganas de vivir, su fe en el mundo y en lo que él representa.

Creo que se abusó de la comedia con las ardillas que rodean la isla de Luke, personajes completamente innecesarios en la película. Sospecho que están allí más que nada por una estrategia de marketing, como Jar-jar Binks o los Ewoks. Me gustó que R2D2 y C3PO hayan estado bien acoplados a la trama, porque pienso que perdieron fuerza en la VII y en Rogue One estuvieron prácticamente ausentes.

El clímax está muy bien logrado, desde la traición de Kylo Ren a Snoke hasta la despedida de Luke, aunque me molestó que hayan querido repetir la batalla de Hoth del episodio V el Imperio Contraataca y hubiese estado perfecto si Rose no hubiese salvado a Finn en el último momento. ¡Es el mensaje incorrecto! Si el amor eros se pone por encima del bien común, no hay una comprensión clara de lo que significa una rebelión. Es en parte lo que trajo Anakin Skywalker al lado oscuro. Finn iba a sacrificarse por el equipo para que pudieran escapar, iba a ser una muerte dolorosa sí, especialmente para Rose, pero significativa para la trama.

La música sigue teniendo una preponderancia en las películas de Star Wars. John Williams sigue excitándonos en los momentos que debe. La dirección de arte y el manejo de cámaras también hicieron de esta película entretenida y emocionante. A pesar de los pesares, pienso que Disney ha hecho lo mejor que ha podido para seguir ofreciéndole al público entretenimiento. 

Rome: Craddle of Civilization.

With 1,285 km² Rome is one of the most ancient cities on the occidental hemisphere. Like almost all capitals in Europe, a walking tour of Rome is a living lesson of historic art. Rome has always been the center of the cultural world many times in the past. It is not necessary to go to a Museum in Rome for this city to work its magic. 

Culture surrounds you everywhere, the city throws in your face its magnificence. The constructions of Il Altare di la Patria, was controversial. It had opposition to its construction, because they did not want to make way for the new. The Colosseum, still remains with all its greatness in spite of its years. Then go to La Fontana di Trevi and make a wish! 

Food is a very important part of Italian culture. When you go to any restaurant in Italy, be sure to go with an empty stomach. Italians eat four courses, just for lunch. Il antipasto, that is the entrance, usually includes, tomatoes, olives, pepperoncini, mushrooms, anchovies, artichoke hearts and various chesses. Then comes Il primo piatto, the first course, the pasta, that has infinity varieties. La seconda piastra, the second course, comes with meat, fish or chicken, sometimes pork, some salad and rice or potato. And then make space for dessert. Profiterole, Cassatta, Cannoli, Pana Cotta, Sfogliatelle, Gelato… No way to say no!

With 2,877,215 residents, Rome is the most populated region on Italy. It is a lively city, full of people walking around. It has the rush of any capital city, bustling restaurants and a very exciting nocturne life. To fall prey to Rome is very easy. It is not casual Woody Allen made a movie about this city!

This is in fact a very recommendable city to go to. The cradle of the occidental civilization, some people call it. It requires more than a few lines to embrace this city with its whole magnificence. Wherever you go, the scenery will be stunning; restaurants, fountains, squares, statues, monumental structures. Rome, a city to fall in love of.  

“El Buscón” a unique bookstore.

Trasnocho is a cultural complex where all the fine arts converge in one place, inside Paseo Las Mercedes shopping mall. Theater, movies, literature, plastic arts, music, all congregate in one place: Trasnocho. In Trasnocho there is El Buscón, that is its bookstore.

The front shelf is decorated with a variety of colorful books and paintings that invite you to come in. Books about architecture, painting, music, movies, you name it. You will enter no matter what!

 

The books sold on this bookstore happens to be in great variety; Poetry, essays, novels, drama, all kind of Books. From the most popular bestsellers to the rare and hard to find books. Moreover, second handed books are donated to this great store and sold at an affordable price.

But El Buscón not only sells books; the owners maintain the place with lots of activities, inviting the people to listen to conferences or the baptize of a new book, usually with a toast at the end of it. Sometimes musicians come and play for a specific activity. You never know what may happen there!

So, if you have not visited this place, you are wasting a unique opportunity to  contemplate a space of joy and comfort. It is a place that invites you to read and open your mind to new experiences. Go and discover it yourself! 

EL CAUDILLO QUE QUERÍA SU PROPIA NOVELA

La Catira del General es un maravilloso título porque evoca el desmadre de mujeres que acompañaban al caudillo en su isla privada. Sin embargo, no se trata de eso, ni de su consentida yegua, se trata del encargo de una novela a Camilo José Cela, premio nobel de literatura 1989. En principio, es una anécdota interesante, pero después se convierte en una obra sobre las tablas. Escrita con el singular acercamiento que Vidal tiene sobre los acontecimientos históricos (Diógenes y las Camisas Voladoras, Compadres), La Catira del General hace gala del lenguaje culto y sintaxis correcta evocando, quizás, momentos en donde el venezolano sabía expresarse con calidad lingüística. No sabemos con certeza que esa fuera la realidad, pero así quiere creerlo Javier poniendo en boca de sus personajes diálogos inteligentes, de mucho contenido y tono poético. Al principio, la obra tarda en proponernos el norte de la evolución de la historia, pero se sostiene porque los narradores extra-diegéticos hilan fino e impulsan la acción. Una vez planteado el propósito de los personajes, se allana cualquier dificultad narrativa y fluye armoniosa hasta el final. Los personajes están concebidos, a pesar de ser históricos, con la profundidad de la ficción dramática, que los hace más interesantes. De lo contrario, serían meras radiografías documentales que parecerían más una crónica que una obra de teatro. Y eso se agradece, pues el autor no se perdió en el encanto de la anécdota histórica, si no que la supera con el arte de la dramaturgia. 

Volviendo a los personajes, tengo que admitir, que su verbo es distintivo en cada uno y van desde la prosopopeya de Cela, pasando por lo escatológico de Pérez Jiménez hasta la candidez del “jefe de los electricistas”.  Indudablemente, el contrapunteo entre los personajes divierte y hasta arranca risotadas en el público. Pasa aún más con los cuatro actores. 

Voy a empezar por Pérez 

Jiménez, cuya interpretación recae sobre Juan Carlos Ogando. Tengo que decir que, sin conocer al caudillo, sí tenía una idea de su personalidad, dado los relatos de mi madre. Pues la interpretación de Ogando reafirmó la idea que se sostiene en mi memoria y eso me gustó. No sólo por el parecido físico, si no por la desfachatez del autoritarismo que ostenta y la ligereza con la que ve la vida. 

Camilo José Cela, interpretado por Sócrates Serrano, no menos importante que el personaje anterior, me impresionó gratamente. 

Como he visto otros trabajos de este actor, puedo decir, sin temor a equivocarme, que ha concebido un personaje tan rico que sobresale. La colocación de la voz, el caminar arrogante y la gestual de un soberbio, me hablan de un trabajo lleno de compromiso y pasión por la actuación. 

Laureanito Vallenilla-Lanz no le podía quedar mejor a Gonzalo Velutini. Su prestancia contribuyó una vez más a engalanar la puesta, pero en la escena final, cuando confronta al dictador, deja de ser un hombre políticamente correcto, para ser un correcto político. La fuerza sin gritos y la palabra bien dicha lo posicionan como la consciencia que salvó a un país en su momento. Esta revelación contra la autoridad es el momento de oro que Velutini no desaprovecha. 

El “General Electric”, como le dice el General, interpretado por Jan Vidal, es un personaje catalizador que equilibra tanta aristocracia en la obra. La actuación de Jan es ligera, muy acorde con la candidez del personaje. A veces pierde la proyección de la voz por el esfuerzo de no perder la cadencia vocal del personaje. 

Nada de morir, simple acotación a un producto de excelente calidad. 

La puesta en escena de Javier Vidal es limpia, pero adornada con bailes y juegos de dominó que no recargan ni distraen del verdadero propósito de la obra. Bien estudiada, como suelen ser sus puestas en escena, en esta oportunidad el discernimiento racional sobresale al sentimental. Tampoco se trata de un melodrama, pero llama la atención la exposición discursiva de los personajes plantados frente al público. El carácter multimedia divide la obra en escenas e ilustra muy bien la época. La dirección de arte es muy hermosa, aludiendo a la obra de Pedro Centeno Vallenilla, muy simbólica de los años cincuenta en Venezuela. La producción de Julie Restifo es acorde con el compromiso asumido, nada de lo anteriormente mencionado tendría sello de excelencia, si no fuera por su esfuerzo. Y para concluir, me gustó la reacción del público que, viendo un hecho histórico desde la perspectiva de la distancia, asume que hay una crítica obvia y necesaria al régimen en que vivimos actualmente.

Martin Hahn, 2017. 

Fotos: Lil Quintero. 

Daniel Dannery